domingo, 18 de marzo de 2012

Comentario del libro “Video Art” de Michael Rush

El libro me pareció muy bueno. Justo un compendio así quería para poder revisar a artistas en el apartado de video.  Resulta que después de echar un vistazo al libro  me emocioné bastante y no solo leí sobre estos artistas, si no que vi su trabajo gracias a las facilidades que el internet nos otorga.

El trabajo de Maria Marshal me gusta. Vi videos como “I did like being born I falled out of the sky and I filed” donde el manejo del audio y la repetición de la imagen  me generó ansiedad, en “When I grow up I want to be a cooke” se maneja la tecnología para hacernos creer que un niño de dos años esta fumando, a pesar de esto, tras la repetición y la colocación de los encuadres se pierde en parte la violencia que contiene esta imagen para abrirse paso una cierta cotidianidad de la acción de fumar.  El video que por nombre lleva “Lollypop” fue una de las piezas que mas me gustaron, la imagen que proporciona una paleta en la boca,  la mirada intensa del niño y la música que poco a poco se intensifica, nos mete en una atmosfera entre bella violenta y amenazante.  La repetición logro que no quitara la mirada del video.



Mencionamos a Pipilotti Rist un par de veces en clase, pero no fue hasta hoy que conocí su trabajo y me encantó. En el video “I’m not the girl who misses much” podemos ver a Pipilotti cantando y a la hora de editar su video vemos que juega con el tiempo y el audio ya sea adelantando la imagen, alentandola, congelándola. A la mitad del video se escucha canción original con Pipilotti en diferentes actividades. El libro menciona que la artista quiso exponer el abuso que las mujeres llegan a sufrir tratando de satisfacer la mirada masculina ¡Excelente video! 
En “Ever is over all” podemos ver en una pantalla a una mujer que camina en una acera y en su trayecto va rompiendo ventanas de autos con lo que parece ser una flor y en otra pared esquinada la grabación de flores en un jardín. Este video también me gustó bastante. Poner estas dos imágenes, reafirmándolas con el objeto que lleva en la mano, mas la acción de la mujer y el manejo de color, hacen que el video sea gustoso, por no tener un mejor adjetivo a la mano.




Otro que me intereso más por un video en especial llamado “Ghost” fue Marco Brambilla. En el video “Wall of Death” se puede observar a un motociclista en perfecto equilibrio para hacer tal acto de carnaval. Al ponerlo en un loop se puede ver al motociclista en un acto infinito donde Bambilla se inspira en el Quinetoscopio Al ver “Ghost” quede encantada con el manejo de imagen; diferentes movimientos de la cabeza de una mujer empalmadas en el mismo video, un poco como nuestro ejercicio de cronofotografía.  Después vi “Sync” donde aparecen múltiples imágenes de películas de Hollywood y pornográficas que crean una saturación al espectador aunado con un ritmo agitado de batería.  Luego fui a su página de internet y en parte me decepciono pues sus últimos trabajos tienen que ver mas con la animación y la publicidad.



Apenas logro mencionar 3 artistas, pero seguiré leyendo con calma el libro y actualizando la información.

Comentario sobre el libro “Alter- video” escrito por Eugini Bonet

A muy grandes rasgos, menciono el contenido de el libro. De antemano puedo decir que es un texto que me ayudó a comprender mejor la relación video-televisión.
Existen muchos mas nombres y proyectos que se escriben en este texto explicados de forma amplia. Mi comentario del libro no pretende ser un resumen. Puse aquí en breves líneas algunos aspectos del libro que principalmente me ayudaron a comprender mas el tema.  Sin embargo, al ser un libro que se escribió ya hace algunos años, quedan muchas dudas respecto a la evolución de estas experimentaciones entre la televisión y el video.
En lo personal, fue interesante leer pues se amplió mi campo de visión de lo que corresponde a la utilización del video.

El texto inicialmente nos menciona el concepto de televisión para de esta forma no confundirla con el video.
Se habla de que la televisión es un medio masivo que transmite eventos de relativa relevancia y que pueden ser directos o pregrabados.
Brecht menciona la importancia del medio de distribución y medio de comunicación, junto con la necesidad de que el receptor también se le reconozca como emisor.
Debido a esta necesidad, es que el video al aparecer con un pequeño formato se vuelve un elemento tan importante en la década de los 60s.
El texto menciona a la videosfera de Youngblood como el punto de partida para  abordar  las problemáticas del video.
Se aclara que la televisión tiende a convertirse en el substituto del cine y que todo medio devora a una anterior.
Nam June Paik y Wolf Vostell, son los principales artistas que entran en la experimentación del pre- video.
En el apartado “orígenes de una relación: video/arte” se considera que el primer uso individual artístico utilizando el video, fue una grabación dela visita a NY del papa Juan XXIII en 1965 hecha por Nam June Paik y también es el donde en una exposición hace que un video se coloque dentro del medio de una galería.
Por otra parte Aldo Tambellini, buscaba mostrar su trabajo, que abarcaba un concepto espacial, filosófico, social y político, sacaba su trabajo de las galerías para llevarlo a barrios o grupos étnicos.
Al final del texto se menciona un proyecto del ATN (Artists Television Network) en 1978 que fue la creación de un canal donde su programación comprende formas diversas de la experimentación
 

domingo, 19 de febrero de 2012

Uno de los mayores esfuerzos de mi vida

Después de ver Metrópolis y el Hombre de la Cámara, cree el video de cómo veo mi entorno dando una idea, sentimiento o emoción. Después de observar detenidamente mi cotidianidad saque varias ideas: me llama mucho la intención lo cotidiano, los detalles.
 Pensé en mecanismos que me llamaran la atención ya que implican la idea del trabajo, pues no puedo estar mucho tiempo sin hacer algo. Así que decidí incluir dos mecanismos comunes en mi entorno. Uno sofisticado y el otro más común como objetos principales para el video. Otro tema también a tratar es la idea de la repetición que se ha vuelto importante para mí.
Crear las tomas se me hizo lo más entretenido. Intente varios planos y ángulos. Esto no me causo ningún inconveniente. El único detalle sería que se termino rápidamente la pila de mi cámara.
En donde sufrí de la manera más dramática, fue en la parte de la edición. Como sabía que yo no tengo el equipo, ni el programa, ni la facilidad para hacer este trabajo, busque ayuda inmediatamente. Por primera vez tuve un acercamiento con el programa de Final Cut. Se me proporciono completamente esta ayuda y de la manera más paciente. A pesar de que es un maravilloso programa, no cabe duda que me llevara mucho tiempo y esfuerzo poder entenderle aunque sea un poco. Más aun si no lo tengo a mi alcance.
Aquí el resultado:

Sobre Metrópolis y El Hombre de la Cámara.

Películas mudas en blanco y negro. Qué buena forma de aprovechar el fin de semana que viendo estas piezas.
En Metrópolis , dirigida por Fritz Lang, pude observar muchas cosas. La que más me llamó la atención fue sin duda la escenografía. Los muros altos, las maquinas inmensas, la ambientación correcta en todas la escenas. Las sombras son uno de los elementos indispensables. La historia se me hace muy interesante, ya que hablamos de 1927. Las diferentes tomas también creo que le dan un ritmo interesante a la trama de la película. Lo que me impresionó fue la cantidad de personas que van por miles que se utilizaron para crear algunas tomas.


En cuanto al Hombre de la Cámara, dirigida por Dziga Vertov en 1929, puedo decir que su narrativa es bastante más sencilla. Aunque sus tomas se vuelven más complejas. En general hacer tantas tomas para hacer un recorrido tan amplio es lo más interesante que encontré en éste trabajo, junto con sus efectos. Curiosamente por falta de musicalización o puntualmente la narración de una historia, me pareció a veces un poco tediosa.

Brevísimo análisis sobre los planos de:

-Hermanos Lumière
Sus planos son enteros. Las personas aparecen completas dentro del cuadro. La toma es fija.





-Georges Méliès
Al igual que Lumière, sus planos son enteros y su toma fijas. Las personas interactúan con el espacio fuera de nuestra mirada.








-Thomas Edison
A pesar de tener tomas fijas, sus planos son variables. Pueden ser medios o enteros. En su trabajo “Viaje a Marte” puedo apreciar que experimento girando la cámara en ciertos momentos para darnos más realismo.











En lo personal me gusta más el trabajo de Méliès y Edison ya que creo experimentaron más en cuanto a la forma de narrar alguna historia.



miércoles, 8 de febrero de 2012

Fotografía animada en After Effects

En este ejercicio todo fue prueba y error. Mucha desesperación. Al final de cuentas, la primera prueba que hice no quedo nada bien, así que decidí no subir el video hasta hacer un mejor ejercicio. Para poder subir este video tuve muchos problemas. No pesó tanto, pero como tengo PC pues se tardo aproximadamente 3 horas y se trabo. Tuve que conseguir una MAC y comprimirlo y ya subirlo. Aquí el resultado que con tanto esfuerzo hice:

martes, 7 de febrero de 2012

Fotografías tomadas a la TV

Aquí podemos ver el formato entrelazado que maneja la televisión por medio de fotografías tomadas a diferentes tiempos:

1/60s

 1/125s


 1/160


1/250